Soundgarden es uno de los primeros nombres que vienen a la mente cuando se piensa en la música más representativa de los años 90. Resulta interesante poder contar con este registro en vivo de uno de los mejores momentos de la banda y también tener con qué entretenerse durante la espera, ya que se encuentran trabajando en un nuevo material.

Tracklist de Live on 15:

01. Soundgarden – Spoonman
02. Soundgarden - Searching With My Good Eye Closed
03. Soundgarden - Let Me Drown
04. Soundgarden - Head Down
05. Soundgarden - Outshined
06. Soundgarden - Rusty Cage
07. Soundgarden - Burden in My Hand
08. Soundgarden - Helter Skelter (The Beatles cover)
09. Soundgarden - Boot Camp
10. Soundgarden - Nothing to Say
11. Soundgarden - Slaves and Bulldozers
12. Soundgarden - Dusty
13. Soundgarden - Fell on Black Days
14. Soundgarden - Search and Destroy ( The Stooges cover)
15. Soundgarden - Ty Cobb
16. Soundgarden - Black Hole Sun
17. Soundgarden - Jesus Christ Pose

Lo más destacado del disco

There is a Light That Never Goes Out, en una version demo bastante similar a la que conocemos, pero con una frase extra cantada por Morrissey que finalmente no quedó en la toma final.

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Ask, un poco más acelerada y con guitarras más al frente.

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Girlfriend In a Coma, con una intro distinta y algunos detalles, pero bastante similar a la oficial.

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Shoplifters of The World, impeccable version instrumental, para prestarle atención al genio de Marr.

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Tracklist completo:

01. The Hand That Rocks The Cradle
02. Reel Around The Fountain
03. Rusholme Ruffians
04. The Queen Is Dead
05. Sheila Take A Bow
06. This Night Has Opened My Eyes
07. Untitled One (Marr Instrumental)
08. Ask
09. There Is A Light That Never Goes Out
10. Is It Really So Strange?
11. Frankly, Mr. Shankly
12. Shoplifters Of The World Unite (Reprise)
13. Girlfriend In A Coma
14. Death Of A Disco Dancer
15. Paint A Vulgar Picture
16. Untitled Two (Marr Instrumental)

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Un regalo de Reyes para todos los fans de The Smiths, una banda que a pesar de su corta carrera dejó cuatro discos geniales y supo generar una mística de la mano de la sociedad Morrissey-Marr que se mantiene intacta hasta el día de hoy.

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35. Good Time For Dynacom – Enormous Chain

Enormous Chain de Good Time for Dynacom volvió realidad una de las promesas del indie local. Doce pequeñas gemas de pop psicodélico para las masas. La banda realzó la calidad de sus composiciones con un mejor sonido y dejando un poco de lado la experimentación para centrarse en las melodías. Sin dudas su mejor disco.

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34. The Black Keys – Brothers

Algún día los Black Keys tendrán que explicar cómo pasaron de wannabes de los White Stripes a una de las bandas de rock más destacadas del momento. Mientras tanto, Brothers nos brindó algunas de las respuestas al ofrecernos casi una hora del mejor blues, punk y garage de este 2010.

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33. Miami Horror – Illumination

Después de una seguidilla de interesantes singles, los australianos de Miami Horror debutaron con este primer larga duración de electro pop alegre y desenfrenado. Con influencias claras de la música disco y dance de los setenta, Illumination reformuló la propuesta con una catarata de sintetizadores y beats acelerados que rápidamente se volvieron irresistibles y contagiosos.

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32. Michael Mike – Nena o Neno

Confesos fanáticos del temprano Babasónicos y deseosos de ser los Bob Dylan del rap, este sexteto argentino entregó un disco lleno de simpatía, excelente musicalización, y un uso del absurdo lírico acompañado por enérgicos sintetizadores que se llevaron todos los laureles.

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31. Glasser – Ring

Luego de algunos tímidos intentos, la joven estadounidense Cameron Mesirow finalmente se transformó en Glasser y con un mágico hechizo dio vida a Ring, un primer y misterioso álbum donde fluyen los contrastes a través de una propuesta sensible, cruda y congruente. Un gran ejemplo de sana comunión entre la experimentación y el conjuro de bellas canciones.

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30. Kanye West – My Beautiful Dark Twisted Fantasy

My Beautiful Dark Twisted Fantasy dejó en claro que ni en tus sueños más salvajes podrías haber imaginado escuchar un disco así, tan complejo y tan sobrecargado (y a veces saturado) de texturas. Armado de raps agudos y punzantes sobre su propia estupidez y la de los demás, Kanye West editó su mejor obra hasta ahora.

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29. 107 Faunos – Creo que te amo

En pequeños paquetes de no más de dos minutos, los 107 Faunos entregaron un segundo disco de estudio con trece temas que, siguiendo la receta de su debut homónimo, llevaron a la perfección la fórmula de guitarras pop, rock psicodélico y una lírica simple, concisa y contagiosa.

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28. The Radio Dept – Clinging to a Scheme

En su tercer trabajo de estudio, The Radio Dept. alteró las fórmulas de los discos anteriores para dejarse llevar por melodías de sintetizador. La mezcla de indie pop con una bruma de electrónica, algo de british y mucho romanticismo hicieron de Clinging to a Scheme una de las propuestas más interesantes de la mágica escena del pop sueco.

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27. Sleigh Bells – Treats

Riffs cavernícolas, vocecitas femeninas que cantan estribillos color chicle, grooves bien marcados y algún que otro beat rave old school hicieron del disco debut de Sleigh Bells un increíble compendio de placeres culposos que reflejan lo más bajo de la cultura popular norteamericana. Y es justamente por eso que resulta tan irresistible. Como las papas fritas, o la Coca Cola.

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26. Emeralds – Does It Look Like I´m here?

Does It Look Like I´m here? fue, sin lugar a dudas, el punto creativo más alto de los estadounidenses Emeralds. Escuchar las doce canciones que integran el trabajo es una experiencia psicoactiva comparable con hacer un tour en submarino por alguna ciudad perdida bajo el mar.

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25. Hot Chip – One Life Stand

Nada de hitazos imparables como Over and Over y Ready for the Floor. El cuarto disco del quinteto que le lavó la cara al electro pop fue el más orgánico y moderado hasta la fecha. Y eso es un problema, porque lo que mejor sabían hacer estos chicos era invitarnos a bailar. De todas formas, la primera mitad de One Life Stand tira varios temas que se posicionan entre lo mejor del catálogo de Hot Chip.

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24. Diamond Rings – Special Affections

¿Qué pasa cuando el líder de una banda post-punk decide tirar la chancleta y explotar su identidad sexual como se le da la gana? En el mejor de los casos, se forma un proyecto como Diamond Rings, el nuevo alias musical del canadiense John O’Regan, que con su debut no hizo más que atiborrarnos de ese pop que sólo puede producirnos felicidad y ganas de volar.

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23. El Guincho – Pop Negro

Pablo Díaz-Reixa, alias El Guincho, bien podría ser el integrante español de Animal Collective, habrá pensado más de un critico luego de sorprenderse con Alegranza, su disco debut de 2008. Y como pasa con la música de los neoyorquinos, varios se maravillaron pero muchos más se vieron abrumados frente a semejante desafío auditivo. Ahora con su segundo trabajo, esa ecuación se invirtió al insistir más en lo pop que en lo negro.

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22. La Ola Que Quería Ser Chau – Películas Caseras

Un collage de melodía y nostalgia enchufado a 220. La Ola Que Quería Ser Chau desempolvó el archivo y compartió una serie de canciones que guardaban en algún disco duro. Temas nuevos y viejos, ensayos, maquetas y versiones en vivo, todo simpáticamente unido con esos separadores que ya forman parte del universo de la banda, tanto como esas viejas fotografías.

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21. The Morning Benders – Big Echo

The Morning Benders encontró en la producción de Chris Taylor (Grizzly Bear) el eslabón que faltaba para terminar de darle identidad a sus canciones. Está claro que también ellos crecieron musicalmente y la prueba más fiel de esto fue Big Echo, un disco elaborado y minucioso lleno de reverberación y melancolía.

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20. Die Antwoord – $O$

Con este disco, los sudafricanos de Die Antwoord demostraron que no son sólo imaginería perturbadora, actitud desafiante y looks crotos. Son también una maquina musical muy aceitada, capaz de escupir canciones de todo tipo y dar siempre en el blanco.

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19. Lightspeed Champion – Life is Sweet! Nice to Meet You

El inquieto Devonté Hynes se despachó con un álbum enorme, audaz y repleto de momentos brillantes acercándose a cantautores como Patrick Wolf y Rufus Wainwright no sólo por el uso de recursos clásicos y dramáticos, sino también por desplegar todo su potencial creativo siguiendo sus impulsos ciegamente. Y éstos sin duda no le fallaron: todas sus ideas, por más estrafalarias y esquizofrénicas que parecían, funcionaron.

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18. Local Natives – Gorilla Manor

A base de buenos ritmos, juegos vocales y guitarras penetrantes, estos muchachos debutaron con un excelente disco plagado de pop, folk y afro beat. Gorilla Manor es el nombre de este primer trabajo y también de la casa donde solían vivir todos juntos. No es casualidad entonces esa sensación confortable que producen sus canciones, donde todo aparece en su justa medida, como si hubiese sido ensayado por toda una vida.

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17. Gorillaz – Plastic Beach

El disco nuevo de Gorillaz no tuvo ningún hit instantáneo de esos que hasta los chicos cantaban. Además la lista de invitados parecía no tener fin y por momentos pudimos llegar a olvidarnos que estábamos ante canciones del proyecto animado de Damon Albarn. Por todo esto Plastic Beach resultó una movida jugada, que pudo llegar a decepcionar a varios fans. Pero hay algo que quedó claro: el mote de “esa banda de dibujitos animados” ya le quedó demasiado chico. Gorillaz es cosa seria.

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16. Avi Buffalo – Avi Buffalo

Desde las costas de California, el joven Avi Buffalo y su banda nos entregaron un disco de folk psicodélico super fresco y melódico, ideal para musicalizar el verano y los atardeceres venideros.

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15. Valentín y los Volcanes – Play Al Viejo Walkman Blanco

De la mano de guitarras espaciales y la inconfundible voz de Jo Goyeneche, Valentin y Los Volcanes debutó con un disco de melodías etéreas en formato de canción. Con letras tan profundas como cotidianas, Play Al Viejo Walkman Blanco se transformó enseguida en una propuesta irresistible, llena de melancolía y urgencia juvenil.

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14. of Montreal – False Priest

Y una vez más Kevin Barnes lo volvió a hacer. Irreverente como pocos, el líder –o mejor dicho el alma- de of Montreal no tiene problemas en arriesgar a la hora de hacer música y en False Priest nos volvió a deleitar con otra magnífica mezcla de géneros, historias y sonidos.

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13. Toro y Moi – Causers of This

Chazwick Bundick (aka Toro y Moi) fue el único encargado de manipular los incontables efectos, sintetizadores, loops y sampleos que se van superponiendo y entrelazando en este auspicioso debut de bajas revoluciones. Con una producción de lujo y en clave lo-fi, Causers of This dibujó un nuevo e importante trazo en la contrucción del chillwave.

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12. Two Door Cinema Club – Tourist History

Two Door Cinema Club debutó con una explosiva mezcla de sonidos electrónicos y sutiles guitarras. Con el beat constante de cualquier pista de baile, en sólo media hora se despacharon con la genialidad característica de cualquier obra breve y buena.

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11. Midnight Juggernauts – The Crystal Axis

Después de Dystopia, su excelente debut editado en el 2007, el trío australiano condensó sus numerosos ejercicios de estilo para gestar una obra mucho más coherente en su totalidad. The Crystal Axis siguió el camino de un rock-pop bastante directo pero sin perder cierta experimentación en los climas y los arreglos.

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10. Deerhunter – Halcyon Digest

Desde que Bradford Cox comenzó a canalizar sus muchísimas inquietudes musicales editando bajo el alias solista de Atlas Sound, su banda, es decir Deerhunter, se volvió un poco más normal, pero no por eso menos interesante. Este cuarto LP continuó bajando revoluciones y se convirtió así en el más variado, el más accesible e incluso el mejor de su notable discografía.

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9. Vampire Weekend – Contra

La maldición de sacar un gran disco es tratar de no bajar el nivel en el próximo. Vampire Weekend pasó esa prueba con Contra, un trabajo bien fresco que mantuvo ese coqueteo constante con la música africana pero que resaltó las cualidades musicales de la banda.

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8. Sufjan Stevens – The Age of Adz

Se le podrá criticar a The Age of Adz su avasallante ambición, su majestuosidad al borde del ridículo y la exigencia que requiere su escucha, pero está claro que se trata de un material que desborda talento, creatividad e innovación. Esas son las premisas de Sufjan Stevens, un tipo que además tiene los huevos suficientes para cagarse en las ventas, los hits y demás demonios comerciales devolviéndole así a la música su ya casi perdido estatuto de arte.

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7. Ariel Pink’s Haunted Graffitti – Before Today

Con instrumentos y recursos propios de comienzos de los 80′s, Before Today es toda una declaración de principios en sí misma. Porque es bailable, algo paranoico, por momentos depresivo y tan ojeroso (aunque al final optimista) que nos hizo pensar cómo debería haber sonado la mejor canción de The Cure.

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6. MGMT – Congratulations

¿Cómo hace una de las bandas más hypeadas de Estados Unidos para dejar de serlo? Sencillo: evitando repetir cualquier fórmula exitosa. Dejando atrás el sonido de su disco debut, MGMT publicó algo completamente diferente a los que todos esperaban: una ópera psicodélica. La apuesta fue bastante osada y lo más interesante de todo es que salieron bien parados.

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5. Beach House – Teen Dream

Está claro que la música de Beach House viene de otro planeta. Cada melodía parece estar flotando en una tierra de ensueños, bien lejos de la vigilia. En este tercer trabajo los estadounidenses, que tuvieron la producción de Chris Coady (TV on the Radio, Yeah Yeah Yeahs), sonaron mejor que nunca y lograron hipnotizar a cualquiera que los haya escuchado.

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4. Wild Nothing – Gemini

Jack Tatum es un asolescente de Viriginia, Estados Unidos, que probó suerte con varias bandas pero finalmente se dio cuenta que solo era mejor. Así nació Wild Nothing, una propuesta entre shoegaze y dream pop que debutó con Gemini, un sueño tan hermoso como real.

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3. LCD Soundsystem – This is Happening

Sólo nueve temas pero que superan ampliamente los seis minutos. Qué plomo, diría más de uno, pero ni bien ponemos play y nos disponemos a escuchar ese prejuicio se esfuma y lo que queda es una panza llena y feliz. This is Happening terminó de confirmar nuestras sospechas: James Murphy es uno de los músicos más destacados e influyentes de su generación.

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2. Arcade Fire – The Suburbs

Dejando de lado la grandilocuencia de Funeral (2004) y la dispersión temática de Neon Bible (2007), el combo canadiense firmó una obra más humilde y directa en lo musical pero extremadamente intrincada en su lírica, con una trama narrativa circular llena de piruetas y guiños auto-referenciales. The Suburbs es una especie de caos introspectivo que el oyente debe desmenuzar y darle un sentido propio, algo totalmente posible -y aquí radica su mayor merito y enorme grandeza- gracias a la universalidad de los temas tocados.

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1. Yeasayer – Odd Blood

En este segundo trabajo los neoyorquinos mantuvieron las texturas cargadísimas, llenas de arreglos polirítmicos y capas y capas de sonidos, que dieron forma a All Hour Cymbals (2007). Pero esta vez todo eso se canalizó hacia una dirección, logrando melodías terriblemente irresistibles. Para cuando terminó de sonar Odd Blood ya nos quedamos sin aire; entre tanto gancho Yeasayer arrasó y nos ganó por knock out.

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“Esta es una época en que la clase trabajadora está siendo perjudicada de derecha a izquierda. Más familias van a quedar sin casa o desempleadas y van a necesitar algo que escuchar en sus iPods, mientras atacan Wall Street”. Esta es más o menos la explicación que Boots Riley encuentra para describir su reciente proyecto musical en conjunto con Morello.

A decir verdad, no sé si en Argentina la clase trabajadora que va rumbo al rótulo de ‘homeless’, tenga iPods y, en caso de tenerlos, dudo que los vayan a rellenar con el Rap-Rock de estos pibes, mientras asaltan el microcentro porteño. Pero el punto en definitiva es que Street Sweeper Social Club se carga contra el gobierno norteamericano, la globalización y otras yerbas, lo cual no es ninguna novedad, conociendo el trasfondo de sus integrantes.

A nivel musical, la ecuación no es muy complicada: riffs rítmicos filosos, sobrecargados de flanger y distorsión (el sello característico de Morello), muchas frases efectivas (Fight! Smash! Win!) y abundantes redoblantes a lo militar, para recordarnos lo activistas que son estos muchachos (100 Little Curses). Todo sumado al contexto freestyle que impone Boots Riley, arengando al público a “hacer algo”: “All my people in the place put your fist In the air” (algo así como la versión raper de “…Y Las manos de todos los negros arriba” a lo Pibes Chorros). En síntesis, una combinación de elementos con marcadas reminiscencias de Rage Against The Machine, lo cual es un despropósito. ¿Por qué? Porque ni Riley canta con la onda de Zach de la Rocha, ni Morello sólo por su cuenta tiene la capacidad de elaborar discursos anti-capitalistas en canciones de rap-rock de 3 minutos de duración.

Es por eso que Street Sweeper Social Club, no resiste mucho un análisis profundo sobre lo que dicen en sus canciones. Es una mejor opción, dejar de lado un poco eso y limitarse a escuchar el disco y verlo como “lo que hace Morello para hacer tiempo hasta que RATM se vuelva a juntar”. O mejor aún, se puede escuchar este disco y cuando termina, poner el primero de Rage para soñar con ese nuevo reencuentro y de paso, recordar lo que es el Rap-Rock con contenido político de verdad.

Ya es una constante que el grupo desde los títulos de sus álbumes o sus canciones, intente generar algún tipo de curiosidad en el público. Alguna búsqueda, algún texto, algún libro, alguna información. Obviamente, las citas a Jorge Luis Borges (la musa inspiradora del grupo en general y del líder Abril Sosa en particular) parecen inevitables. A lo largo de los discos, se pueden escuchar lecturas de fragmentos de Historia universal de la infamia (1935) o La casa de Asterión (El Aleph, 1949). Pero también se pueden hacer presentes otros escritores, e incluso en otras facetas. Es el caso de Psicomágico.

The Black Crowes es una de esas bandas que desde sus comienzos, disco tras disco, se mueven dentro del mismo espectro musical, sin demasiados cambios o riesgos. A algunas les funciona, a otras no, en este caso, la razón para no buscar el ya quemado “reinventarse” es simplemente porque lo que hacen, lo hacen bien y a su público le basta. Dicho esto, aparece Before the frost… disco a priori simple, pero que como primer particularidad, junto con su adquisición trae un código a ingresar en la página oficial de la banda, que desemboca en la descarga de una segunda parte del album, …Until the Freeze. Juego de palabras que significa algo así como antes y después del frío.

Por otro lado, como segunda particularidad, contrapuesta al frío que sugiere el nombre, el disco en su totalidad está grabado en vivo ante un selecto grupo de fans que aportan cálidos aplausos al final de cada uno de los once tracks, generando un ambiente relajado como de domingo soleado que te trasporta a un rústico granero, tal y como se escucha en los rasgueos del primer tema Good Morning Captain y se repite en el tranquilo blues-country de Appaloosa. La grabación en vivo también deja entrever la solidez de una experimentada banda, que no pierde su solvencia en ningún momento y en donde se destaca la soltura de Chris Robinson, aquel cantante que hace ya 10 años se animó a interpretar al Robert Plant de Led Zeppelin en el disco Live from Greek, una suerte de tributo repleto de clásicos de dicha banda, en colaboración con Jimmy Page. Y así como The Black Crowes no pueden dejar de lado sus raíces musicales, What is Home, remite directamente a ese mismo Zeppelin del disco III, con sus pasajes acústicos y adornos de mandolina.

Ya promediando la mitad del álbum llega el único tema que se escapa del circuito Blues-Rock del disco, una pequeña pero interesante apuesta que corre la banda y que le da algo más de diversidad al disco que podría resultar (más) monótono de lo contrario. I Ain’t Hiding es un tema que juega con un ritmo al estilo de la música disco de los 80’s, pero sin perder el sello propia de la banda.

Por otra parte, los 9 tracks del segundo disco, Until The Freeze, llevan al extremo los elementos country-folk de Before.., temas como Garden Gate o Shady Grove y aportan algunos guiños psicodélicos en forma de cítaras pero… no pasa de ahí. A lo que apunto con esto es que a pesar de algunos buenos intentos pero insuficientes, hay que decir que Before the Frost es un disco que satura. Es una excelente mezcla de rock n’ roll, blues, country a la manera tradicional americana, de lo mejor que se puede encontrar en la actualidad, pero que se repite demasiado, alcanzando el límite del cansancio y que solo un fanático de la banda podría llegar a disfrutar totalmente.

A fines de los 90s escuchar The Prodigy era lo más cool del mundo. Hoy, diez años después, esa misma banda se convirtió en una guilty pleasure, o para decirlo en criollo, en un placer culposo. Es que muchas de las cosas que se escuchaban en esa época hoy suenan anacrónicas, caducas, berretas. Es el caso de The Prodigy, o mejor dicho de su mentor, Liam Howlett, que sigue varado y revolviendo en los sonidos de hace una década despertando simpatías sólo en aquellos que suelen mirar con nostalgia la vieja escena electrónica.

Como para acentuar aún más esta tendencia demodé, para Invaders Must Die a Howlett no se le ocurrió mejor idea que reciclar el sonido rave de sus primeros discos. Así, en varios de estos once temas nuevos (¿nuevos?) nos vamos sumergiendo en el túnel del tiempo con teclados house a la vieja escuela (World´s on Fire), samples de voces femeninas (Warrior’s Dance) y de vocecitas aceleradas y procesamiento de beats (Take me to the Hospital) que tratan de emular sin mucho éxito a Out of Space, aquella bomba raver de Experience (1992). Todos estos elementos, que antes funcionaban y se combinaban con frescura y estilo, ahora aparecen forzados y carentes de sentido, incluso por momentos rozando el ridículo.

Sin embargo, el mayor problema no es el anacronismo sonoro, sino una completa carencia de ideas que al parecer fue compensada por una agresividad extenuante que termina convirtiendo a la mayoría de las canciones en un loop sin fin de programaciones galopantes, con mínimas variaciones a lo largo del disco. Escucharlo no solo aburre, también aturde y agota.

Por suerte el principio y el final de Invaders Must Die dan un poco de respiro, con el instrumental homónimo y Omen, ambos temas co-producidos por James Rushent de Does it Offend you, Yeah? Es él evidentemente el que tiene cierto ingenio para lograr un par de programaciones que logran esquivar el galope belicoso y repetitivo para entregar algunos ganchos moderados.

Hacia el final, Piranha también se sale del loop incesante, con un ritmo más juguetón y desestructurado, casi surfer, que recuerda a Hot Ride del injustamente menospreciado disco anterior, Always Outnumbered, Never Outgunned de 2004. Por último, la yuxtaposición de una base hip hop con arreglos de vientos sampleados en Stand Up cierra el disco con un Liam Howlett pisando finalmente sobre terrero nuevo e inexplorado. Si quiere volver a ser cool como antaño no le va a quedar otra que jugarse, salirse de una vez por todas de la cápsula noventosa que tanta seguridad le dió y reinventarse a sí mismo cuanto antes. Porque su hora hace rato que ya pasó.

Desde Confusion is Sex (1983), siempre fieles a su estilo incursionando en lo experimental, los Sonic Youth ampliaron el espectro de la escena underground influyendo a más de una generación de músicos. Luego de Rather Ripped (2006), el año pasado se editó Hits are for Squares, una compilación hecha para la cadena Starbucks que por su tendencia comercial generó polémica entre los fans y, de hecho, constituyó su segunda traición a la música independiente, después de su firma con el gigantesco sello discográfico Geffen en 1990. Pero cuando todo indicaba que la década terminaría sin novedades para los oriundos de Nueva York, vuelven al escenario con The Eternal, producido por John Agnello.

El disco es básicamente una especie de tributo a ellos mismos. Si bien están lejos de caer en el pecado del autoplagio, este no es precisamente su trabajo más innovador. Se perciben reminiscencias de Stooges, Television y Patti Smith, pero la banda más influyente en The Eternal es… Sonic Youth. Tiene de todo: desde las minuciosas y largas producciones (la sideral Anti-Orgasm) que nos remiten a los años más experimentales de la banda, hasta las ráfagas guitarreras y estructuras más convencionales de los primeros noventa, con Goo (1990) y Dirty (1992). Además, con Leaky Lifeboat, dedicada al poeta Gregory Corso, vuelven las alusiones a la Generación Beat que habían mostrado en NYC Ghosts & Flowers (2000). Pero en fin, play.

La expectativa se abre con un dueto de guitarras disfrazadas de campanas que anuncian la llegada del potencial hit Sacred Trickster, dos minutos de punk femenino a manos de Kim Gordon, que incentiva al grupo pidiendo a gritos que la hagan levitar. Y más motivados y renovados que nunca, Thurston Moore y Lee Ranaldo regalan una magnífica explosión de guitarras furiosas (What we know de Ranaldo y Thunderclap for Bobby Pyn de Moore). Aparece también, en contraste con las afinaciones alternativas y las guitarras chirriantes, una cierta incursión en el terreno del pop que, si bien moderada, incluye “yeah-yeah-yeahs” y “la-la-las”. Hacia el final se apaga un poco la llama en Massage the History, en la que Gordon invoca a los muertos en una atmósfera de relax con tintes folkies de casi diez minutos.

¿Cuál es el secreto de Sonic Youth? Nadie dice que se hayan sentido “culpables” por publicar un grandes éxitos, pero algo los impulsó a volver a grabar a través de un sello independiente como, en este caso, Matador Records (Cat Power, Belle & Sebastian, Stephen Malkmus). Esto sumado a la adición en el bajo del ícono alternativo Mark Ibold (ex Pavement) generó un despertar en el grupo, un nuevo afán por lo indie, por estar entre los máximos representantes de la vanguardia y para eso, hicieron esta síntesis de su respetable carrera a la que llamaron The Eternal. Que sigan así.

Y gracias a dios que volvieron, la verdad. Si no entienden por qué el rock de hoy extraña -o debería extrañar- a los liderados por Eddie Vedder, basta con poner play y escuchar la canción de apertura de Backspacer, Gonna See My Friend. Es que -teniendo en cuenta la forma en que han influido en el pensamiento de una generación- uno espera los álbumes de Pearl Jam ya no como colecciones de canciones sino como declaraciones de principios sobre la vida actual, el mundo de la música y la manera en que debemos encarar nuestras vidas. Si Riot Act reflejaba -y pedía- un momento de sincera introspección y reflexión, si Pearl Jam era pura bronca desatada contra el estado de las cosas, Backspacer es un (necesario) bálsamo para nuestras heridas, un disco optimista y eléctrico, directo y honesto.

En buena hora, Pearl Jam. Después de todo, desde este mismo lugar me he hartado de hablar sobre la manera en que las bandas de hoy sobrecargan de arreglos y vericuetos su música buscando esconder una falta alarmante de verdaderas Ideas (sí, así, con “I” mayúscula). En lugar de caer en esto (será porque tienen Ideas…), Vedder y los suyos abrevan en el pop excelentemente bien entendido, en la new wave, en la belleza de lo simple y nos entregan nuevas canciones con aires antémicos y -lo que es fundamental- optimistas, felices. El corte The Fixer, su lado “B” Supersonic, la punkie Johnny Guitar, Got Some (que se parece demasiado a Gut Feeling del primer disco de Devo, pero bueno, los perdonamos), Amongst The Waves son canciones sencillas y brillantes que cualquier banda de hoy se mataría por componer.

En el mismo sentido -hacia adelante, siempre, sabiendo lo que quieren hacer y por qué, ¿qué otra cosa es Pearl Jam, después de todo?- hallamos bellas reflexiones que Vedder parece haber extraído de su aventura solista en el soundtrack Into The Wild (2007): Just Breathe (uno de los momentos altos del álbum pese a la similitud de su arpegio con el de Guaranteed del disco de Vedder), la preciosa Speed Of Sound y la final (y titulada ad hoc) The End se llevan las palmas en lo lírico, en lo agreste y minimalista de sus arreglos, en la sinceridad que Pearl Jam exuda cada vez que se lanza a hacer música para inspirar a aquellos que los escuchen.

Voy a arriesgarme a un lugar común, pero hay que decirlo: el mundo necesita más bandas como Pearl Jam. Grupos honestos, sinceros, que hagan lo que realmente quieren y digan lo que realmente piensan. Que actúen con la cabeza, sí, pero también con el corazón. Que nos emocionen porque dicen cosas, que nos movilicen porque hacen buen rock, que nos conquisten porque son ellos, únicos e inimitables. Y por sobre todas las cosas, que sigan haciendo discos como Backspacer; discos que la juventud de hoy quizás no se da cuenta, pero necesita.

The Resistance es un disco que tanto musicalmente como en su formato de álbum conceptual no se distancia demasiado de la línea de su antecesor, pero con una apuesta clásica más elaborada y por momentos, relativamente jugada. Sin embargo, al igual que en Black Holes and Revelations, el disco paga una significativa cuota de riffs gancheros comercialmente efectivos y Uprising, el tema con el que abre el disco, marca la pauta de esto.

Y ese es el tema con Muse hoy en día: una banda que por un lado, con una antorcha de composiciones originales sostenidas por la mano del frontman Matt Bellamy, alumbra temáticas oscuras al nivel del anti-capitalismo, consumismo y la irracionalidad humana, utilizando como combustibles las más diversas fuentes conspirativas que el George Orwell de 1984 y Rebelión en la granja, jamás hubiera imaginado capaz de inspirar. Así y todo, por otro lado, este año sale a la venta el nuevo Guitar Hero 5 para Playstation III, Nintendo Wii, etc., con la particularidad de que –para el que no conoce la modalidad del juego- uno se puede poner en los zapatos virtuales de Bellamy y rockearla con la guitarrita de mentiritas con botonsitos de colores. En definitiva, una interesante contradicción que abre un debate aparte sobre la utopía de si la música puede cambiar al sistema desde adentro, o por lo menos actuar como una herramienta política.

Más allá de si esta pretensión es intencional o no, a nivel sonido, lo nuevo de Muse es casi una ópera rock, condensando abundates arreglos orquestados que a lo largo de los 11 tracks del disco se van presentando, con especial intensidad en United States of Eurasia, tema con fragmentos clásicos y coros grandilocuentes, que ineludiblemente remiten al estilo Bohemian Rhapsody de Queen. Siguiendo este camino, la obsesiva compulsión de Bellamy por lo clásico alcanza su punto máximo, en la sinfonía final de 3 partes, Exogenesis: un paseo por Chopin, menguado por mucha guitarra, la privilegiada voz del cantante y los conocidos climas espaciales bien logrados a los que Muse nos tiene acostumbrados.

Es en este contexto de esfuerzo y complejidad, que el álbum tiene una grave deficiencia. No tiene El tema, con mayúsculas, que todo disco de Muse tiene -en Symmetry of Origin es la totalidad del disco en mi opinión- y que evita caer en la jaula de la monotonía. Por el contrario, The Resistance tiene puntos flojos como Undisclosed Desires, que no termina de quedar claro qué hizo para terminar en el disco y Guiding Light, un buen tema si el nombre de la banda fuese U2. Lo más cercano a reunir los requisitos sería Unnatural Selection, si no fuera porque el riff principal remite demasiado a New Born, tema con el que abre Origin of Symmetry, aunque así y todo propone un cambio de ritmo hacia la mitad del tema completamente genial seguido de un solo de guitarra del mismo nivel, en lo que conforma lo mejor del disco.

Lo que en conclusión The Resistance deja, es que a pesar de los ingeniosos intentos de Bellamy, empieza a filtarse por entre medio de majestuosos cellos y órganos, la aparente idea de que después de 5 discos, a Muse se le están empezando a acabar los cartuchos de esa banda-arma de rock-destrucción masiva que, y vale la pena resaltar, aún es. Esperemos que no suceda.

Wilco es una banda rara. O para ser más precisos, extremista. Puede hacer música muy convencional y correcta, de esa que le gustaría a tus padres, pero también puede romper con facilidad cualquier fórmula y estructura compositiva para probar con la experimentación más cruda y estrepitosa, de esa que espantaría a más de un vecino.

Tenemos entonces una discografía que va desde el insulso y aburrido soft-rock de los 70’s (¿alguien dijo “Adulto Contemporáneo”?) de Sky Blue Sky (2007) hasta los divagues y cuelgues sonoros del difícil A Ghost is Born (2004). Ambos extremos se cruzan en Yankee Hotel Foxtrot (2002), la obra maestra del grupo que, al igual que su otro gran disco, Summerteeth de 1999, conjuga innovación y clasicismo pop para sonar interesante y accesible a la vez, sin irse de mambo en uno u otro sentido.

Wilco (The Album) afortunadamente se ubica en este punto medio, acercándose a los mejores discos de la banda. Es cierto que es menos ambicioso pero en su aparente simpleza se esconde una evidente complejidad reflejada en los sofisticados arreglos que adornan y cargan de sentimiento a las sencillas estructuras de las canciones. La bella solemnidad barroca de Deeper Down, la taciturna y delicada mezcla de folk y country de Solitaire y la épica casi minimalista de Everlasting Everything son la prueba de que a veces menos es más.

En Bull Black Nova, Wilco retoma el kraut rock de lo mejor de A Ghost is Born y además suenan como nunca antes se los escuchó, como una máquina arrasadora, ajustadísimos como banda, lo cual parece indicar que la formación actual será la definitiva (es la misma que grabó el disco anterior, antes los integrantes cambiaban constantemente). Wilco (the song) con sus guitarras voladas y One Wing con un gran despliegue del baterista Glenn Kotche y el guitarrista Nels Cline también dan cuenta de una cierta maduración colectiva.

La segunda mitad del disco es menos interesante. El tupillo a clásico vuelve con el júbilo setentoso George-Harrison-meets-Tom-Petty pero mal reformulado de You Never Know, y la balada totalmente prescindible Country Disappeared. Para potenciales hits la banda da un giro radical hacia el indie con la dulce pero pobre You And I junto con la cantante canadiense Feist, y con I’ll Fight, un rock efectivo y pegadizo pero un poco repetitivo y bastante deudor de Pavement. Y es que Wilco es así, un camaleón musical que con los años al parecer se va dando cuenta de qué colores le sientan mejor.

Dicho esto, Far no ofrece muchas novedades en el registro de la buena de Regina. Pero antes de comenzar con las palabras de rigor, dejemos algo establecido: sí, Regina Spektor canta hermoso. Ya, ya está dicho, listo. Con esto aclarado podemos decir que, al menos por lo expuesto en este álbum, no hay mucho más en el registro de Spektor que eso: una belleza inherente, una habilidad pasmosa para manejar su caudal (que, por cierto, es prístino como el agua) y pasearlo por toda clase de simpáticos enreveses (Eet es el ejemplo perfecto de lo que digo). Mucho tiene que ver -me arriesgo a decir- esta bellísima voz en el éxito de la Spektor.

Porque las canciones están bien, pero cantadas por otra voz estoy seguro que no destacarían entre las cada vez más interesantes aventuras de Kate Nash o Lily Allen, solistas que al menos se animan a salir de su zona de confort en pos de experimentar y ampliar su ángulo de acción. Regina, en cambio, parece estar comodísima sentada en el living de su casa, al comando de su piano y escribiendo uno tras otro papeles carbónicos de conmovedoras odas como Blue Lips (en definitiva, el punto cúlmine de este Far). Y no está mal, no me malinterpreten: lo que sucede es que se trata de un esquema de fácil agotamiento, y siendo este ya el quinto disco de la Spektor es comprensible que este one-trick pony que es la moscovita nos empiece a aburrir.

Especialmente si no abandona ese modo de composición monocorde más que en momentos donde le hace un guiño directo al pop (Folding Chair, por ejemplo), a sabiendas de que es una pileta que siempre estará repleta de agua para ella. La Spektor necesita que alguien le diga que está bien experimentar, arriesgarse a salir de ese lugar que -sabemos ya de sobra- le sale fantásticamente bien. Si bien es algo que debería ser natural en casi cualquier artista, Regina no parece demostrárnoslo, al menos no en Far: se trata de un disco sencillo, orientado más al pop más que cualquiera de sus otros trabajos (la canción más oscura del disco, Machine, es una canción de los Beach Boys comparada con cualquier tema de Begin To Hope) y donde Regina ya, lamentablemente, empieza a cansarnos.

Pero esto que estoy diciendo quizás sea una consecuencia natural de su postura “anti-folk”. ¿Cómo puede un músico ignorar sus raíces? Es decir, ¿cómo puede Regina Spektor negar a Joni Mitchell, siendo que ésta debería ser su maestra en las artes de la canción femenina? Lo que la Spektor necesita es dejar de negar y empezar a aprender, salir de la comodidad de su penthouse neoyorkino y sus amigos y obsecuentes de turno y jugársela. Ojo, también puede seguir en la suya, haciendo discos como Far. Pero que después no se queje si su vocecita ya no nos llega como antes.